Современное искусство 21 века: описание
Современным искусством принято называть всевозможные художественные течения, сложившиеся в конце XX века. В послевоенный период оно являлось своеобразной отдушиной, вновь научившей людей мечтать и изобретать новые жизненные реалии.
Устав от оков суровых правил прошлого, молодые художники решили разорвать прежние художественные нормы. Они стремились к созданию новых, до этих неизвестных практик. Противопоставляя себя модернизму, они обратились к новым способам раскрытия своих сюжетов. Художник и концепция, стоящая за его творением, стали гораздо важнее самого итога творческой деятельности. Желание отойти от воздвигнутых рамок привело к возникновению новых жанров.
Среди художников начали возникать споры о смысле искусства и способах его выражения. Что такое искусство? Какими средствами можно добиться неподдельного искусства? Концептуалисты и минималисты нашли ответ для себя во фразе: «Если искусство может быть всем, то может быть и ничем». Для них уход от привычных изобразительных средств вылился в проведение различных акций, хеппененгов и перформансов. В чем же особенность современного искусства в 21 веке? Об этом мы и поведем речь в статье.
Трехмерная графика в искусстве XXI века
Славится искусство 21 века необычными картинами в 3D графике. С развитием компьютерных технологий художники получили доступ к новым средствам создания своего искусства. Суть трехмерной графики состоит в создании изображений при помощи моделирования объектов в трехмерном пространстве. Если рассмотреть большинство форм современного искусства в 21 веке, создание трехмерных изображений окажется наиболее традиционным. 3D графика имеет множество сторон, в прямом смысле этого слова. Ее используют при создании программ, игр, изображений и видео на компьютере. Но ее также можно заметить прямо под ногами – на асфальте.
Трехмерная графика перебралась на улицы несколько десятилетий назад и с этого времени остается одной из важнейших форм уличного искусства. Многие художники рисуют на своих «картинах» объемные изображения, способные поразить своей реалистичностью. Эдгар Мюллер, Эдуардо Ролеро, Курт Уеннер и многие другие современные художники сегодня создают искусство, способное удивить любого.
Уличное искусство 21 века
Раньше занятие искусством было уделом состоятельных людей. Оно веками было укрыто стенами специальных заведений, куда был закрыт доступ непосвященным. Очевидно, что его грандиозная сила не могла вечно томиться внутри душных зданий. Именно тогда оно выбралось наружу — на серые мрачные улицы. Выбралось, чтобы изменить свою историю навсегда. Хотя поначалу все не было так просто.
Его рождению были рады не все. Многие считали его следствием неудачного опыта. Некоторые и вовсе отказывались обращать внимание на его существование. Между тем детище продолжало расти и развиваться.
Уличных художников ждали трудности на своем пути. При всем своем многообразии форм, уличное искусство порой было сложно отличить от вандализма.
Началось все в 70-х годах прошлого века в Нью-Йорке. В это время уличное искусство находилось в зачаточном состоянии. А поддерживали его жизнь Julio 204 и Taki 183. Они оставляли надписи в разных местах своего района, после расширяя территорию распространения. Соперничать с ними решили другие ребята. Тут-то и началось самое интересное. Задор и желание показать себя вылилось в битву креативности. Каждый стремился открыть для себя и других более оригинальный способ оставить свой след.
В 1981 году уличному искусству получилось преодолеть океан. В этом ему помог уличный художник из Франции BlekleRat. Он считается одним из первых художников граффити в Париже. Его также называют отцом трафаретного граффити. Его фирменным штрихом являются рисунки крыс, что отсылает к имени их создателя. Автор заметил, что после перестановки букв в слове rat (крыса) получается art (искусство). Blek однажды отметил: «Крыса является единственным свободным животным в Париже, которое распространяется повсюду, прямо как уличное искусство».
Самым знаменитым уличным художником является Бэнкси, который называет BlekleRat своим главным учителем. Злободневные работы этого талантливого британца способны заставить замолчать каждого. В своих рисунках, созданных с использованием трафаретов, он обличает современное общество с его пороками. Бэнкси свойственен традиционный британский юмор, позволяющий оставить еще большее впечатление на аудиторию. Интересным является тот факт, что до сих пор личность Бэнкси окутана тайной. Никому еще не удалось раскрыть загадку личности художника.
Тем временем искусство улиц стремительно набирает обороты. Когда-то отброшенный к маргинальным течениям, стрит-арт взошел на подмостки аукционов. Работы художников продаются за баснословные суммы теми, кто когда-то отказывался о нем говорить. Что это, живительная сила искусства или веяния мейнстрима?
Формы
На сегодняшний день выделяют несколько довольно интересных проявлений современного искусства. Обзор самых необычных форм современного искусства будет представлен вашему вниманию далее.
Реди-мейд
Термин реди-мейд происходит от английского, что означает «готовый». По сути, целью данного направления не является создание чего-либо материального. Основной идеей здесь служит то, что в зависимости от окружения того или иного предмета меняется восприятие человеком и самого предмета. Родоначальником течения является Марсель Дюшан. Наиболее знаменитой его работой является «Фонтан», представляющий собой писсуар с автографом и датой.
Анаморфозы
Анаморфозами называют технику создания изображений таким образом, что полностью разглядеть их возможно лишь под определенным углом. Одним из ярких представителей этого течения является француз Бернард Прас. Он создает инсталляции с использованием того, что попадется под руку. Благодаря своему мастерству ему удается создавать удивительные произведения, увидеть которые, однако, можно лишь под определенным углом.
Биологические жидкости в искусстве
Одним из самых спорных течений в современном искусстве 21 века является рисунок, написанный человеческими жидкостями. Часто последователи данной формы современного искусства используют кровь и мочу. Цвет картин в этом случае часто приобретает мрачный, пугающий вид. Герман Нич, к примеру, использует кровь животных и мочу. Автор объясняет использование столь неожиданных материалов трудным детством, которое пришло на время Второй мировой войны.
Живопись XX-XXI века
Краткая история живописи содержит сведения, что конец XX века стал отправной точкой для многих культовых художников современности. В тяжелые послевоенные годы сфера художественного искусства пережила свое перерождение. Художники стремились открыть новые грани своих возможностей.
Супрематизм
Создателем супрематизма принято считать Казимира Малевича. Будучи главным теоретиком, он провозгласил супрематизм способом очищения искусства от всего лишнего. Отказавшись от привычных способов передачи изображения, художники стремились освободить искусство от внехудожественного. Важнейшей работой в данном жанре служит знаменитый «Черный квадрат» Малевича.
Поп-арт
Поп-арт берет свои истоки в США. В послевоенные годы общество пережило глобальные изменения. Люди теперь могли себе позволить больше. Потребление стало важнейшей частью жизни. Людей начали возводить в культ, а продукты потребления – в символы. Джаспер Джонс, Энди Уорхолл и другие последователи течения стремились использовать эти символы в своих картинах.
Футуризм
Футуризм был открыт в 1910 году. Основной идеей этого течения служило стремление к новому, разрушение рамок прошлого. Это стремление художники изображали при помощи особой техники. Резкие штрихи, наплывы, соединения и пересечения – признаки футуризма. Наиболее известными представителями футуризма являются Маринетти, Северини, Карра.
Современное искусство в России XXI века
Современное искусство в России (21 век) плавно перетекло из подпольного, «неофициального» искусства СССР. Молодые художники 90-х искали новые способы реализации своих художественных амбиций в новой стране. В это время зародился московский акционизм. Его последователи бросали вызов прошлому и его идеологии. Разрушение границ (в прямом и переносном смысле слова) позволило изобразить отношение молодого поколения к ситуации в стране. Современное искусство 21 века стало экспрессивным, пугающим, шокирующим. Таким, от которого так долго закрывалось общество. Акции Анатолия Осмоловского («Маяковский — Осмоловский», «Против всех», «Баррикада на Большой Никитской»), движения «ЭТИ» («ЭТИ-текст»), Олега Кулика («Пятачок раздает подарки», «Бешенный Пес или Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером»), Авдея Тер-Оганьяна(«Поп-арт») навсегда изменили историю современного искусства.
Новое поколение
Слава ПТРК – современный художник из Екатеринбурга. Кому-то его работы могут напомнить творчество Бэнкси. Однако работы Славы несут в себе идеи и чувства, знакомые только российскому гражданину. Одним из наиболее заметных его работ является акция «Страна возможностей». Художник создал надпись из костылей на здании заброшенной больницы Екатеринбурга. Костыли Слава скупал у жителей города, которые однажды ими пользовались. Об акции художник сообщил на странице в социальной сети, дополнив обращением к согражданам.
Музеи современного искусства
Возможно, когда-то современное изобразительно искусство 21 века казалось средой маргинальной, но сегодня все больше людей стремятся приобщиться к новой сфере искусства. Все больше музеев открывают свои двери для новых средств выражения. Нью-Йорк является рекордсменом в области современного искусства. Здесь же находятся два музея, являющиеся одними из лучших в мире.
Первый – MoMA, являющийся хранилищем полотен Матисса, Дали, Уорхола. Второй – музей Соломона Гуггенхайма. Необычная архитектура здания соседствует с творениями Пикассо, Марка Шагала, Кандинского и многих других.
Европа также знаменита своими великолепными музеями современного искусства 21 века. Музей KIASMA в Хельсинки позволяет трогать предметы выставки. Центр Жоржа Помпиду в столице Франции поражает необычной архитектурой и работами художников современности. Стеделейкмюсеум в Амстердаме хранит в своих стенах крупнейшее собрание картин Малевича. Тейт Модерн в столице Великобритании обладает огромным количеством арт-объектов современности. Венский музей современного искусства обладает работами Энди Уорхолла и прочих талантливых творцов современности.
Современное искусство 21 века (живопись) — загадочное, непонятное, завораживающее, навсегда изменило вектор развития не только отдельной сферы, но и всей жизни человечества. Оно отражает и создает современность в одно и то же время. Постоянно изменяясь, искусство современности позволяет на мгновение остановиться постоянно спешащему человеку. Остановиться, чтобы вспомнить о чувствах, кроющихся глубоко внутри. Остановиться, чтобы вновь набрать темп и спешить в вихрь событий и дел.
«XXI век. Современное российское искусство» — IV. Художники, которых выбирает Традиция
ARTinvestment.RU 25 февраля 2020
10 современных московских художников: индивидуальные особенности искусства каждого, их истоки, контекст художественной среды, в которой формировалось их творчество, основной вектор в поисках собственного языка и образного строя
Всех этих художников, прошедших довольно длительный путь метаморфоз и поисков, отличает глубочайшая укорененность в Традиции русской и европейской пластической культуры. Традиции, как известно, не устаревают и переживают поколения художников. Не художники придумывают их. Традиция выбирает, кому можно себя доверить
Представляем творчество художников, которых можно увидеть на аукционе 24–28 февраля 2020 года, куратором которого является Родина Вера Юрьевна.
Валерий Бабин (1945), живописец, график, художник книги
Художник пишет только о том, что он хорошо чувствует. В его биографии дом в Березовске, на Урале, стал той колыбелью, тем сокровенным местом, которое сформировало его отношение к миру и искусству. В его поэтике важен цвет. Для полотен Бабина на уровне приема характерна монументальная обобщенность письма, сдержанность колорита, а на смысловом уровне — вневременность обстоятельств и положений. Это роднит его картины с древнерусской фреской, где живопись — образ молчания. Житейское поднято до высокой трактовки торжественного обряда жизни. В творчестве Бабина есть некое парадоксальное сплетение мига и Вечности, «нечаянности» взгляда и точности решения композиции. Это редкое умение найти монументальную форму, не теряя характера импровизации, особенно привлекает зрителя. Художник широко использует богатое наследие русской революционной графики и гравюры. Искусство рисунка Бабина вполне сопоставимо с мастерством отечественных классиков Купреянова и Барто.
Поэтической изобретательностью пластики художник также обязан московской художественной среде, в которой сформировался в большого мастера.
Надежда Гайдук (1948–2016), живописец, дизайнер
Входила в круг Одесского нонконформистского художественного движения. Выставлялась с главными одесскими «неформалами»: Олегом Соколовым, Станиславом Сычёвым, Владимиром Стрельниковым, Валентином Хрущом, Владимиром Сазоновым и др.
С 1972 г. в Москве влилась в круг московских неофициальных художников, становится ярким представителем группы «21» на Малой Грузинке, выставлялась вместе с Сергеем Бордачёвым, Анатолием Лепиным, Борисом Бичем, Петром Беленоком и др.
Творчество Гайдук многообразно, ее отличает постоянный интерес к эксперименту, но основные художественные поиски автора всегда лежат в области беспредметной живописи.
Начав с безыскусных живописных циклов, запечатлевших тихую, неспешную жизнь, внимание к деталям и приметам быта, пейзажам родного города, художник переходит к изощренным экспериментам в области лирической и геометрической абстракции. Возникает тема «Археология», где артефакты прошлого совмещены с условным, лишь по колориту напоминающим реальный, пейзажем. Художник вводит в ткань живописи материалы той реальности, которая дает толчок этим образам, — мерцающие кусочки кварца, песок, ракушечник, делает зрителя тактильно-визуально сопричастным дыханию Времени. На определенном этапе Гайдук обращается к коллажу и ассамбляжу, создает яркие выразительные послания Прошлого; любовно назвав цикл «Секретики», отсылает к персональному игровому пространству. Она умело использует игру фактур; раритетные фотографии из личного архива, ручные уникальные вышивки, значки, флажки и т. п. складываются в свободные импровизации, словно бы позволяя автору отдохнуть от безупречной дисциплины геометрических построений. Появляется цикл работ, посвященных книге как арт-объекту. Работы Гайдук отличаются остротой, неожиданностью использования техник и материалов, свежестью и оптимистичной уравновешенностью взгляда.
Сергей Жаворонков (1945), график
Сергей Жаворонков — удивительный мастер, сумевший в малых форматах своих работ запечатлеть многообразие простых вещей, возводя их к уровню эталона. Когда-то в начале творческого пути он сознательно предпочел графику живописи. Сделав самоограничение одним из важнейших модулей своего творческого метода, со временем ограничив и количество техник, в своих листах художник, как правило, использует пастель, соус, уголь.
Художнику свойственно созерцательное отношение к своему творчеству, что роднит его с любимыми им Борисовым-Мусатовым, Боннаром и Моранди .К одному и тому же мотиву он может возвращаться бесконечно, не стремясь к смене впечатлений.
Много лет художник пишет одни и те же холмы в окрестностях своего дома в Алепино. Цикл так и называется «Алепинские холмы». Вспоминаются чеканные слова Мандельштама «Где больше неба мне — там я бродить готов, / И ясная тоска меня не отпускает / От молодых ещё воронежских холмов / К всечеловеческим, яснеющим в Тоскане». Это именно всечеловеческий, вселенский пейзаж,условный, очищенный от каких-либо примет и эмоций, почти превращенный в формулу пейзажа.
В натюрмортах, интерьерах, изображениях города Жаворонков остается верным себе, строгим и точным минималистом с абсолютным слухом. Художник намеренно ограничивает количество техник, размеров листа, тем, а в последнее время и цвета, крайне скупо им пользуясь, в этой аскезе уплотняя и уточняя колорит. Отказаться от цвета совсем — интересная в рамках его творчества задача, которую он ставит перед собой в настоящее время.
Сергей Жаворонков, верный себе, не испытывавший искушения поддаться диктату современной арт-моды, идет своей, «нехоженой» тропой традиционного искусства.
Игорь Кислицын (1948), живописец, график, сценограф, иконописец
Если говорить о традициях, которые продолжает Кислицын, то, при всей очевидности почвенного начала и принадлежности к русской традиции — от древнерусского сакрального искусства до русского классического авангарда, — он опирается на богатейшее культурное наследие всего континента Евразии. Его работы отличает цельность сплава и очень личная «органика» стиля. Живопись автора всегда имеет некий сакральный ориентир, это всегда вопрос о Вечном из потока времени, всегда движение к «невидимому» граду, подобному Китежу или Беловодью, к небесной «пра-родине». Это отражается и в названиях циклов картин — «Небесный град», «Апокалипсис», «Черное солнце», «Красная Земля» и др. Подход художника к сакральной проблематике, однако, лишен иллюстративности и декларативности, далек от какой-либо схемы или стилизации канона, дурного эклектизма, смешения заведомо несовместимого (этой постмодернистской болезни вкуса).
В контексте живописи автор выстраивает личную «символографию» Духа. Пластические «иероглифы формы» существуют параллельно образно-фигуративному уровню картин. Представляя собой различные солярные знако-формы, они неожиданно внедряются в напластования письма, восходя, подобно звездам, лунам и иным светилам, в пространствах метафизических ландшафтов, предельно абстрактных, доведенных до степени условного знака. Прорези, контуры, иные начертания, подобно древнейшей стенописи, резко и метко процарапаны в толще многослойной красочной кладки. Своим вторжением взрезая статично застывшую картинную плоскость, они усиливают изображение, вносят дополнительные уровни символики и семантики.
Кислицын несомненно колорист, цвету отведена немалая роль — и как средству усиления образного воздействия картины на зрителя, и как носителю его идей. Автор уверенно и выразительно возделывает красочную поверхность, пользуясь многочисленными подкладками и лессировками; усложняя и уплотняя цветовые отношения, добивается эффекта драгоценного мерцания. Это живопись, которая, безусловно, способна радовать не только дух, но и глаз.
Виктор Крапошин (1952), живописец
Виктор Крапошин — московский живописец близкий кругу неформального искусства 1960–70-х годов.
Как приверженец фигуративной живописи, ясной, предметной, с подробными деталями, он давно предпочел экзерсисам в области беспредметности тонкую многослойную лессировочную живопись, двигаясь в сторону реализма, реализма метафизического. Картины обманчиво идилличны, искусно написанный пейзажный фон кроток и умиротворен, напрямую отсылая к хорошо усвоенным урокам русской пейзажной школы. В этом мире нет тревожной босхианы раннего Свешникова, причудливой городской фантасмагории Владимира Пятницкого, но атмосфера присутствия иного, запредельного измерения пронизывает зрителя. На первый взгляд в картинах есть «история», но ее трудно рассказать. Художник не комментирует какие-то идеи в рамках картины, а подчиняет их живописной ткани произведения, оживляет их своим видением, иногда вовсе не рефлексируя и двигаясь интуитивно. Слегка деформируя формы, используя в композиции разные точки и углы зрения одновременно, художник выстраивает парадоксальный и многоплановый образ. Чтобы понять его метафизическую многозначность, зритель должен изменить ракурс «оптики», сделать его «антиномичным», отбросив логику и концепт. Минуя личину реальности, зритель вслед за художником проникает в ее сердцевину, попадая в измерение свободы, где Настоящее, включая Ушедшее и Будущее, становится единственно возможным местом При-Сутствия. Так, разбитое яйцо оказывается больше и сковородки, и яичницы, приготовленной из него, заключая в себе весь дом и весь быт, и всю круговерть жизни — от младенчества до исхода («Яйцо». 2019).
Константин Кузнецов (1944), живописец
Московский живописец Константин Кузнецов — представитель круга художников второй волны авангарда. Исключительно важной для него была фигура Михаила Врубеля, вслед за тем — Александра Головина, Виктора Борисова-Мусатова, Александра Ива́нова.
Работает художник чаще всего циклами, темы которых отражают течение мирового времени или посвящены природно-культурным топосам, архитектурно-парковым ансамблям, изобилуя цитатами (преимущественно архитектуры и скульптуры): античность, европейское Средневековье, Ренессанс, русский классицизм.
В восприятии художника художественные объекты не только памятники искусства, но и окружены оболочкой, или аурой, семантических напластований и позволяют зрителю «включиться» в эпоху, раскрывая для себя целый веер смыслов и ассоциаций. Художник, а вслед за ним и зритель ощущает себя в пространстве всемирной культуры. Времена года и отдельные месяцы, части суток являются для него воплощением цикличности и вневременности; ведь когда ты совладал со временем, ты — вне его.
Его картины можно рассматривать как опыт духовного, то есть в своей основе религиозного искусства. Кузнецов понимает религиозную направленность искусства как возможность наслоения, «просвечивания» историософских размышлений, культурных образов-знаков и трактовки природы как божественного творения. В полифоническом пространстве мерцающей мозаичности живописи Кузнецова, изысканной текучести живописных ритмов угадывается бесконечная метаморфоза форм и состояний, грезы земли, воды и воздуха о реальности чудесного и иллюзорности внешнего, эмпирического.
Ольга Рудакова (1951–2017), живописец
Родилась в семье художника Михаила Захарьевича Рудакова.
Искусство Ольги Рудаковой — это сложный, неоднозначный и прекрасный рассказ о том, что́ она видела, как видела, что ее волновало и что она любила. Она жила в неповторимом, трагическом и одновременно очень светлом мире, очень предметном, полном запахов, цвета и звуков. За очень редким исключением она никогда не стремилась написать что-либо отвлеченное, формальное или абстрактное в буквальном смысле.
Язык и стиль натюрмортов Ольги Рудаковой базируется на тонко разработанной пластической основе, на перекличке и пересечении живописных символов и универсальных смыслов. Натюрморты любимых ею Гриса, Жоржа Брака, Кузнецова, Сезанна, Михаила Соколова для нее были скорее азбукой жанра, но не образцами для подражания. Она нашла собственный художественный модуль натюрморта, драму цвета и чистую и абсолютную предметность предпочла сухой рациональной компоновке и натурному сходству. В последние годы черный цвет стал играть в работах Рудаковой подчеркнуто экспрессивную роль, усиливая и обостряя характер конструкции. Утолщенные контуры предметов, плотные черные сегменты живописного пространства производят впечатление сильной басовой партии в прозрачной и нежной общей гармонии.
Можно утверждать, что натюрморт для автора — жанр всеобъемлющий, неотъемлемый, универсальный. Это жанр-картина, жанр-мироздание, жанр-симфония, куда входят и элементы пейзажа, и намеки на автопортрет, и иносказательные коллизии быта-бытия, и завуалированные смыслы философской притчи.
Александр Русов (1966), архитектор, фотограф, живописец
Русов — представитель внешне камерной, «тихой», созерцательной живописи, которая в конце 1920-х и в 1930-е годы была свежим и новаторским явлением, придя на смену радикальным направлениям, и оборвалась по вынужденным причинам. Его постоянная тема — пейзаж города, образы его архитектуры и пространства. Нельзя точно сказать, это тридцатые, пятидесятые, может быть, какие-то иные годы, в которых и затерялся или, скорее, укрылся этот совсем не похожий на привычный мегаполис город, лишенный суеты, толп, шума. Напротив, он воспринимается как некий оазис покоя, где стены домов, трубы, краны, ремонтные вагончики, тополя и бездомные собаки живут в каком-то утопическом согласии всего со всем, в пространстве, не подверженном тлению, разрушению и перестройкам. Русов не ловец натуры и впечатлений, его не интересует документальность изображаемого или фиксация следов и состояний, «сиротская красота окраин», подобно мастерам группы «13». Путем тонкого абстрагирования, он преодолевает всякую сырую этюдность. Пейзаж принципиально переработан, воссоздан по памяти, иногда просто сочинен, избавлен от четкости топографической конкретики. Но при взгляде на эти небольшие холсты почти всегда возникает феномен дежавю, что, разумеется, связано не с узнаванием конкретного места, а с мгновенным и приятием, и проникновением в суть и дух этой живописи. Его пейзажи «недопроявлены», расплывчаты, колорит сгущенный и как бы «спекшийся», временами «фальковский», по своему метафоричен. Вслед за художником и вместе с ним мы вглядываемся в эту плотную, нагруженную живопись, таинственно намекающую на возможную Встречу, на приближение События, в пространстве за пределами искусства невозможного, только через живопись достижимого.
Валерий Сахатов (1947), живописец
Сахатов — художник, беспредметная живопись которого всегда сохраняет связь с органической природой на уровне визуальных контрапунктов. Композиционные структуры, колориты, фактуры имеют особое значение для этой утонченной декоративной живописи. В последние годы в творчестве художника появилось новое качество — абстрактный символизм. Речь идет о большой живописной серии «Портреты без сходства». Своей магической «недоосуществленностью», ускользающей и намеренной стертостью изображения они напоминают старые иконы с утратами красочного слоя. Фантастическая масса цвета и световая пульсация, а также символический объем и легкий линейный силуэт создают игру энергий и живописных акцентов, сообщая портрету таинственную характеристику знака, метафорической формулы. Но, строго говоря, эти персонажи не действующие лица, а исполнители его художественных импровизаций, носители имманентных свойств его живописи. В цикле «Палитры» или «Зримая плоть» исходный пластический сюжет вообще появляется без участия автора, хотя сама идея — авторская от начала до конца. Сахатов пользуется собственными палитрами и превращает их из средства производства в финальный продукт — живописный объект, ведь палитра имеет «родовую связь» с той живописью, которой художник занят изо дня в день. И портретные образы, и ковры (проект фонда «Марджани»), и «палитры» воссоздаются художником исключительно с помощью цвета, различных его вариаций и комбинаций. Метод Сахатова подразумевает тонкий сплав рефлексии с технологией, путь «постепенной внутренней реформы», оставаясь при это всегда бескомпромиссным и верным себе самому.
Сергей Смуров (1957), скульптор
Языком скульптуры и ее сущностью Смуров считает форму, пространство и пластику. Всегда стремится к обобщению и абстрагированию, метафоричности, монументальности образа. Для него важен лаконизм формы и отсутствие литературности, хотя иногда он и привносит элемент некоторой иронии и игры с социальным подтекстом. В то же время Смуров всегда подчеркивает, что для него искусство аполитично, индивидуально и не сиюминутно.
Скульптор часто вводит цвет, который неожиданно организует ритм всей композиции и придает формам гармоническое равновесие. Это особенно проявляется в его работах с деревом, которое он любит за его особую теплую энергетику. Будучи постоянным участником Международных скульптурных симпозиумов по камню на открытом воздухе, скульптор охотно работает с камнем. «За камнем нужно идти, — говорит художник. — Эскиз — одно, а камень часто дает совсем другое». Монументальные скульптуры Смурова украшают московские улицы и парки: Осенний бульвар, бульвар Дмитрия Донского, Музеон и др.; он же создал надгробие поэту Арсению Тарковскому.
Полностью отвергая всякого рода журналистику и публицистику в скульптуре, т. н. «злободневность» тем, он всегда стремится найти точный пластический образ той или иной идеи. Интересен его монументальный проект (общая высота композиции 5 метров) «Памяти погибших журналистов» — стилизованное стальное перо, переходящее в крылатую падающую раненую Музу. Образ крылатой Музы — ключевой в творчестве художника.
Топ лучших современных российских художников
*Обзор лучших по мнению редакции Zuzako.com. О критериях отбора. Данный материал носит субъективный характер, не является рекламой и не служит руководством к покупке. Перед покупкой необходима консультация со специалистом.
В современном мире все реже встречается классическое понятие «творчество художника», означающее только работы на традиционном холсте. В последнее время все чаще применяется понятие «визуальное искусство», которое может включать помимо скульптуры или декоративного творчества абсолютно новые направления. Человеку, не связанному с художественной средой подчас очень трудно разобраться в современных течениях. Мы проанализировали основные факторы, влияющие на рынок современного искусства, и составили топ лучших современных российских художников.
Самые влиятельные русские художники нашего времени и их работы
Уже на рубеже 19-20 веков, когда стали появляться первые техники импрессионизма, классическая подача изображений стала считаться устаревшей. А после революционных событий и глобальных изменений общественного строя, с попытками построения социализма и двумя мировыми войнами, творческие новаторы изобрели огромное количество направлений, часто называемых художественными «измами». Сюрреализм, модернизм, постмодернизм, кубизм, авангардизм, и еще множество смешанных стилей. По этой причине современное искусство, которое охватывает период после второй мировой войны и до наших дней, представляет собой сочетание разных техник и направлений.
Поэтому рейтинг самый влиятельных художников наших дней, работы которых выставляются на мировых аукционах за значительную стоимость возглавляют ныне живущие корифеи, сформировавшиеся за годы советской власти.
| Категория | Место | Наименование | Характеристика | Ссылка |
| Соц-Арт | 1 | Кабаков Илья Иосифович | Автор понятия «Тотальная инсталляция», сумма за продажи работ с 2000 года (тыс $) — 23 696,9 | Подробнее |
| 2 | Булатов Эрик Владимирович | Один из основателей течение Соц-Арт с элементами плакатной символики, сумма за продажи работ с 2000 года (тыс $) — 18 292,5 | Подробнее | |
| 3 | Целков Олег Николаевич | Автор серии многолетней портрет, с элементами масок, сумма за продажи работ с 2000 года (тыс $) — 10 941,9 | Подробнее | |
| 4 | Брускин Гриша | Создал собственную систему визуальных лексиконов, сумма за продажи работ с 2000 года (тыс $) — 2 143,3 | Подробнее | |
| 5 | Комар и Меламид | Самый успешный дуэт родоначальников поп-арта | Подробнее | |
| 6 | Церетели Зураб Константинович | Самая успешная официальная карьера, сумма за продажи работ с 2000 года (тыс $) — 1 203,3 | Подробнее | |
| Постмодернизм Перестроечный период 21 век | 1 | Дубосарский Владимир Ефимович, Виноградов Александр Александрович | Создатели серии монументальных полотен стиля соц реализма с ироническим подтекстом, сумма за продажи работ с 2000 года (тыс $) — 3 601,9 | Подробнее |
| 2 | Звездочетов Константин | Король русского китча, сумма за продажи работ с 2000 года (тыс $) — 1 114,1 | Подробнее | |
| 3 | Пепперштейн Павел Викторович | Художник, критик, писатель, рэп-исполнитель, сумма за продажи работ с 2000 года (тыс $) — 659 | Подробнее | |
| 4 | AES+F | Арт-группа, работающая с передовыми течениями визуального искусства, сумма за продажи работ с 2000 года (тыс $) — 596,2 | Подробнее | |
| 5 | Никас Сафронов | Художник-«селебрети» | Подробнее |
А что из этого предпочтете Вы?
Соц-Арт, поколение «шестидесятников»
Удивительным фактом является список самых знаменитых представителей художественной школы конца XX века русского происхождения. Практически все из них принесли известность современной российской живописи за рубежом, но большинство из них вынуждено было покинуть родину, чтобы добиться признания и известности. Ни один из них не создал знаменитых полотен в стиле советского реализма. Но их протест против «лакированной действительности» социалистического строя был настолько талантливым, что прославил страну еще до перестройки 90-х годов прошлого века. Сегодня спрос на их творения постоянно растет. Лучшие картины этих художников возвращаются в страну, так как их покупают из-за рубежа для частных российских коллекций.
Кабаков Илья Иосифович
По оценкам многочисленных экспертов Илья Иосифович Кабаков считается наиболее важным и востребованным русским живописцем на сегодняшний день. Мастер родился в 1933 году и 1989 года прожил в Советском союзе. Он получил классическое образование Суриковской Художественной Академии. Профессиональную карьеру начинал как иллюстратор детских книг (известных детские журналы «Мурзилка» и «Веселые картинки»).
Позже, входил в неформальную группу художников «Сретенский бульвар». Основным значащим произведением Кабакова этого периода стал альбом «10 персонажей», который был посвящен своим коллегам, художникам неформалам. Сегодня серию его рисунков хранит Центр Помпиду в Париже.
Илья Иосифович создал понятие «тотальная инсталляция», начав эксперименты с экспозицией физических предметов собственной квартиры («Человек, улетевший в космос из своей квартиры») еще в 80-х годах прошлого века.
В 1965 году, несмотря на закрытый режим советского стоя, его работы попали на итальянскую выставку, а в 1970 году на цикл экспозиций альтернативного искусства нескольких стран Европы.
До своей иммиграции за рубеж Кабаков работал над иронической серией рисунков «жековского цикла», описывающей коммунальный был советского человека. После иммиграции обосновался в Нью-Йорке, где живет по сей день.
Самые знаменитые работы:
- «Жук» (техника: доска, эмаль) с детским стихотворением, написанная в 1982 году, продана на аукционе за 5,84 млн $
- «Номер люкс», ушедший за 4,1 млн $
- Серия полет Комарова из «10 персонажей», купленная 445 тыс. $.
Булатов Эрик Владимирович
Знаменитый представитель направления соц-арт, родственного западному течению поп-арт, которое совмещает пейзажные фоны и плакатные или текстовые элементы, часто используемые на журнальных обложках.
Биография художника схожа с его коллегами из неформальных объединений, которым пришлось жить в 60-70-х годов прошлого века. После окончания Суриковской Художественной Академии работал над иллюстрациями к детским книгам (знаменитые сказки «Спящая красавица», «Золушка»), одновременно занимаясь свободным творчеством. Он разработал собственную теорию пространства, которая включала две части – собственно плоскость картины и вторую часть воображаемую плоскость, чаще всего представленную плакатным текстом.
После 1988 года популярность художника за рубежом позволила провести несколько персональных выставок, получить прозвище «художник перестройки», титул лучший художник года по версии ЮНЕСКО.
С 1989 года художник живет в Париже, но он сохранил гражданство РФ. С 2003 года в России проводятся выставки его работ, в том числе в Третьяковской галерее. Булатов участвовал в открытии музея современного творчества «Гараж», а также оформлении Центра Первого президента России.
С 2000 года продано 99 работ художника на общую сумму 18,3 млн $
Целков Олег Николаевич
Необычный художник, представляющий направление «нон-комформизм», близкий по содержанию и построению сюжета к сюрреализму. Бывший советский театральный оформитель, учившийся в нескольких художественных школах, выбрал свою единственную тему, которая повторяется на его полотнах в разных вариациях и настроениях. Это безликая маска с отсутствием мимики или индивидуальных черт в сопровождении различных символических предметов. При создании своих картин, Олег Николаевич использует яркие, иногда едкие цвета, которые сразу притягивают взгляд. Произведения художника выглядят как вызов и провокация, поэтому не были приняты официальной художественной школой СССР. Такой же критической была позиция автора по отношению к государству, что послужило причиной его высылки из страны в 1977 году.
Несмотря на то, что мастер житель Парижа, в 2005 году его российское гражданство было восстановлено. Также он является обладателем российской премии Триумф.
Брускин Гриша
Выходец из московской профессорской семьи получил международную известность не только стилем письма, но также собственной системой представления образов на полотне, подчиняющихся логическим законам. Первым серьезным признанием стала продажа работы «Фундаментальный лексикон» на Московском аукционе за 220 тыс. фунтов в 1988 году. После чего, он участвовал как представитель России в создании экспозиции Рейхстага в Берлине.
Главной идеей, которая ведет художника является сопоставление религий и циклов рождения и смерти империй, на примере советского строя.
Его работы находятся в различных музеях мира и Третьяковской галерее. Мастер живет на два города – Нью-Йорк и Москва.
Комар и Меламид
Творческий союз двух художников Комара Виталий (1943 г) и Меламид Александр (1945 г) зародившийся после 60-х годов прошлого века, объединил сюрреалиста и экзестенциониста, а также открыл перспективу создания поп-арта, как вызова «лакированной действительности».
Самая дорогая картина, которая была продана за 1 010,2 тыс $ имеет длинное название «Встреча А. Солженицина и Г. Белля на даче М. Растроповича» которое прямо отсылает к канонам канцелярского стиля советского периода.
Дует закончил свою совместную работу в 2003 году. Сегодня Комар живет в США, а Меламид израильский гражданин. Однако каждый из них продолжает писать собственные работы и выставляться на аукционах.
Церетели Зураб Константинович
Знаменитый мастер, работающий с государственными заказами. По большей части знаменит своими скульптурными работами, имеет также интересные живописные полотна.
Самая дорогая картина на холсте называется «Сон Афона». Она была продана для частной коллекции за 250 тыс. $.
Сегодня Церетели является Президентом Российской Академии художеств, профессором и имеет большое количество наград. В 2003 году ему было предоставлено российское гражданство за особые заслуги перед Отечеством. Огромный опыт, многочисленные работы с разными техниками и жанрами дают право Зурабу Константиновичу называться художником нашего времени.
Постмодернизм
Перестроечный период 21 век
Дубосарский Владимир Ефимович, Виноградов Александр Александрович
Самый провокационный союз московских художников, который работал около четверти века на рубеже столетий. В то время, когда исчезал советский строй и рушились каноны, классический советский реализм подвергался остракизму со стороны андеграунда. Два друга начали писать работы, сочетающие соцреализм и поп-арт, основанный на голливудских журналах. Позже они перешли в стиль откровенного гламура, актуальный в нулевых. Умышленный «перебор» деталей, участников экспозиций и красочных деталей не дает смотреть на их картины без улыбки. Даже портрет президента Обамы, который хранит художественный музей Вены, выглядит как новый русский комикс. Сегодня русские художники закончили свой совместный период и каждый из них продолжает писать картины и выставляться самостоятельно. Виноградов живет за рубежом, часто посещая Россию. Дубосарский работает в Москве, активно принимая участие в творческой жизни столицы.
Звездочетов Константин
Яркая неординарная фигура в современном искусстве. Сын московских интеллигентов, прошедших через репрессии, с ранней юности вел активную жизнь в неформальных кругах. Он учился в Школе-студии МХАТ и часто называл себя «играющим искусствоведом». Он был одним из создателей андеграундной группы «Мухоморы», которая занималась первыми акциями, самоиздатом и неформальными квартирными выставками, представляющими работы художников. Именно на одной из квартир, где устраивалась выставка ARTART появилась его первая знаменитая работа «Натуралист Пипин Попуен», больше похожая на цветную иллюстрацию детской книжки, которая сегодня находится в Третьяковской галерее.
Звездочетов длительный период жизни не идентифицировал себя как художник и писал работы по случаю проведения перформанса или акции, больше уделяя время самой постановке действия. С началом перестройки его работы приобретали большую иронию. Часто он помещал современных героев в другие исторические декорации и создавал остроумные карикатуры с подписями, похожие на иллюстрации знаменитого журнала Крокодил. Сегодня художник живет и работает в Москве, его работы выставлены в различных музеях на родине и за рубежом.
Пепперштейн Павел Викторович
Сын известного художника (настоящая фамилия Пивоваров) родился в 1966 году и стал представителем новой волны художников, экспериментирующих с различными стилями. В бурное время начала перестройки в Советском Союзе Пеперштейн вошел в состав художественной группы под названием «Инспекция Медицинская герменевтика», которая занималась перформансами, чтением литературы и создания собственных текстов, а также художественных полотен. Идеей группы художников Москвы того времени, было очистить общественное мнение от навязанных стереотипов.
Художник создал собственный стиль «психоделический реализм», в которым можно найти отсылки к различным стилям живописи – сюрреализму, супрематизму, карикатуризму и поп-арту. Его работы участвуют в знаменитых выставках, в том числе отечественных художников. Наиболее дорогое полотно «Капсула» продано с аукциона за 36,3 тыс. $.
Наиболее известная группа неформального искусства, сложившаяся в период с 1987 до 1995 гг. Название группы состоит из первых букв фамилий ее участников: Арзамасова, Евзович, Святский и Фридас. Объединение занимается разными жанрами начиная от скульптуры и инсталляции, заканчивая живописными полотнами и анимационными фресками. Первым официальным признанием было участие группы от России на Венецианском биеннале в 2007 году.
Самой дорогостоящей работой была признана бронзовая скульптура воин № 4, проданная за 244,2 тыс. $, но наиболее известной является картина «Летящие химеры», которая растиражирована соцсетями.
Никас Сафронов
Самый известный широкой публике художник, родившийся 1956 году и получивший звания заслуженный художник РФ. Его популярность связана с большим количеством портретных работ известных людей и «селебрети» российского общества, а также попаданием в светскую хронику. Он работает с несколькими техниками (кубизм, символизм, портретная техника), а также в собственном стиле, названным им Dream Vision (мечтательное созерцание). Основные его работы находятся в частных коллекциях, так как выполнялись под заказ. Крупная реальная продажа с аукциона состоялась лишь однажды в 2011 году. Картина «Мечта об Италии» была продана за 106 тыс. $.
Реальный оборот от свободной продажи работ на торгах с 2000 года не известен.
На каких молодых художников России стоит обратить внимание по мнению редакции Zuzako
Если Вы уже получили большое количество знаний об основных отличиях классического и современного художественного искусства, то можете смело шагнуть в мир художников 21 века, которые расширяют наши границы представления о прекрасном.
Этот конкурс значительно расширил традиционные рамки и в 2019 году номинировал работу Альбины Мохряковой с видеопроектом Каэгха, как лучшего молодого художника России.
Также стоит понимать, что понятие «молодой художник» скорее всего будет означать работы авторов старше 30 лет. Так как опытные галеристы начинают активно продавать картины новых художников, имеющих в портфолио нескольких десятков произведений, выработавших свой стиль.
Если Вы готовы рискнуть и не дожидаться вхождения молодого дарования в рейтинги знаменитых и признанных мастеров, то можно отдать предпочтение многочисленным выставкам и биеналле, которые собирают картины наших художников до 35 лет. Стоимость таких картин будет составлять от 5 000 рублей и даст шанс получить для своей коллекции будущего классика.
Например, им может стать Алексей Дубинский (абстракционизм), Кирилл Кто (шекография, текстовые полотна), Юлия Иосизильсон (категория: рисунки современных художников и шелкография), Антон Тотибадзе (Темера, акрил), Алес Кочевник (Акрил, фламастеры).
Возможно, Вам повезет приобрести работы молодых авторов, которые уже попали в списки Forbs за независимые продажи работ на аукционах:
- Олег Доу;
- Николай Кошелев;
- Дима Ребус;
- Ольга Чернышева.
Ну и если Вы хотите оценивать искусство инсталляций и нового направления графики шрифтами, то Арт-группа Recycle и Пакрас-Лампас могут стать Вашими проводниками по миру прекрасного. Однако не смотря на молодость, они уже входят в категорию профессиональных художников и их работы могут стоить существенные деньги.
Основные направления современного искусства в рисунке и живописи
По выводам многих критиков и искусствоведов общей тенденцией современного искусства является лозунг «Все сказано до нас». Многовековые академические традиции графики и живописи включат огромное количество техник и стилей. Именно поэтому движение по смешиванию жанров в живописи русских художников, зародившееся еще в 20 веке, сегодня получило свое новое развитие.
Самыми популярными для сочетания стилями в картинах современного искусства являются реализм, сюрреализм, кубизм, импрессионизм, поп-арт. Однако развитие технологий дало возможность появлению принципиально новых течений для картин 21 века – видеоарту, 3D-картинам, созданию полотен биологическими жидкостями.
Но если Вам просто хочется украсить домашнюю коллекцию необычной жанровой композицией, на которую все время хочется смотреть и получать удовольствие, то мнения критиков и экспертов Вам не нужны. Красота в глазах смотрящего – выберите ее только для себя!
Поделитесь с друзьями в социальных сетях
Справочная статья, основанная на экспертном мнении автора.
Творчество в массы: крупнейшие центры современного искусства в России
Из нашей повседневности потихоньку ушли музеи. Однако в этом нет ничего удивительного, ведь в культурном плане Россия законсервирована. Вспомни, когда ты последний раз ходил на выставку. Уверен, что тебе не хочется провтыкать полтора часа, не понимая смысла увиденного. Ведь глядя на многие арт-объекты на экране мобильного, ты невольно прокручиваешь фразу: «Н***я не понял, но очень интересно». Мы не посещаем центры современного искусства, потому что боимся потратить впустую время. Однако достойные ЦСИ устроены так, что тебе не придется чесать репу в ожидании озарения. У каждой выставки есть куратор, который объясняет цели и задумки художников. Именно благодаря людям, которые связали свою жизнь с пропагандой творчества, в России развивается культурная среда. Рассказываем о самых значимых центрах современного искусства страны и их создателях.
«Гараж» — успех одного миллиардера
Начнем со столичного «Гаража». Пусть в твоей голове не всплывают образы подворотен. Московский музей только в начале своего пути был андеграундным местом. В 2008 году организаторы заняли старый Бахметьевский автобусный гараж. Кстати, о родоначальниках. Это не история успеха гениальных творцов, здесь все проще: Роман Абрамович вместе с супругой Дарьей Жуковой основали проект и стали его продвигать. Поэтому уже в 2014 году из автобусного парка музей был перевезен в Парк Горького, в бывшее помещение ресторана «Времена года». А в освободившемся гараже, кстати, появилось новое арт-пространство — «Еврейский музей и центр толерантности». Видимо, это место пропитано творческой атмосферой.
У «Гаража» же начались светлые дни. На новой площадке есть кинотеатр, несколько выставочных залов, библиотека. Кураторы не только руководят выставками, но и проводят лекции об экологии и других важных для человечества тенденциях. Допустим, сейчас у них проходит выставка «Грядущий мир: экология как новая политика». В ее рамках в музее размещают свои работы заграничные художники. Их цель — объяснить гостям, что человек — часть экосистемы, а не король пищевой цепочки. Иван Дорн в партнерстве с «Гаражом» записал серию экоманифестов. Его обращения стали не только сильным рычагом воздействия на сознание зрителя, но и отличной рекламой музея для непосвященных.
«Типография»: борьба с невежеством в провинции
Типография — это небольшое арт-пространство в Краснодаре, которое продвигает любовь к искусству в провинции с 2012 года. Представь, насколько сложно делать такую работу, находясь далеко от культурного центра. Для тебя не будет секретом, что провинциальная публика менее искушенная и заинтересованная. Поэтому в местном ЦСИ пошли по пути наименьшего сопротивления: организаторы основали детскую лабораторию. Здесь с малых лет прививают любовь к искусству в игровой форме.
Для продвинутой, но малочисленной зрелой аудитории проводятся масштабные проекты. Самой громкой летней выставкой стала Blocked Content, посвященная свободе информации в жизни человека и за ее пределами. Blocked Content разворачивается в двух измерениях: в пространстве выставочного зала и в дополненной реальности приложения Recycle Group.
Также есть системные мероприятия по поддержанию экологии, допустим, своп-вечеринки. Здесь участники обмениваются вещами, которые не используют. Таким образом кураторы мотивируют людей к осознанному потреблению. Возьми на заметку, ведь многие жители города начали организовывать подобные мероприятия самостоятельно.
Культурный центр расширяется и этим летом запустил много новых проектов. Тебе может показаться, что жизнь ЦСИ безоблачна. Однако в начале августа 2019 года «Типографи» вынужденно переехала из центра Краснодара вглубь города, потому что для команды вдвое повысили арендную ставку. С таким положением трудно мириться, особенно когда не имеешь спонсоров.
MAKARONKA — на смену 16th LINE
Все дальше отправляемся в провинцию. В Ростове-на-Дону тоже борются с невежеством. После закрытия культовой местной арт-галереи 16th LINE главным культурным центром стала MAKARONKA. Это свободное творческое пространство с устоявшейся аудиторией. Галерея 16th LINE занимала место в культурной части города, имела два этажа для выставок. Здесь находились работы Дали и Пикассо. В 2014 году центр закрылся. Но Ростов горевал недолго, а для арт-пространства MAKARONKA настал звездный час. Это — единственное место в Ростове-на-Дону, которое объединило сразу несколько важных культурных направлений: театр, кино, музыку и современное искусство. Здесь тебя может удивить и даже шокировать экспериментальный Театр 18+. Также арт-пространство дает развиваться молодым художникам и предоставляет им мастерские и выставочные площадки. Естественно, ты должен быть талантлив, чтобы привлечь внимание. Также ку раторы устраивают мастер-классы и лекции на актуальные для современного человека темы. Это место знакомо тем, кто следит за развитием современного искусства в России.
Театр 18+ возник в 2013 году по инициативе бизнесмена Евгения Самойлова и режиссера Ольги Калашниковой. Кураторы проекта выбирают нетривиальные работы, так что для тебя опыт в MAKARONKA приятно удивит.
«Ни одна ростовская галерея до сих пор не участвовала в западных арт-ярмарках, мы же пытаемся заявляться практически везде, где позволяют время, финансы и вообще условия участия. На всех ярмарках показываем, кстати, разных художников и разные произведения. При этом ни разу не слышали такой оценки: мол, ну сразу видно — провинциальный город», — заявляет Самойлов.
Тем не менее к успеху 16th LINE еще нужно стремиться. Легендарное пространство все еще чтут олдовые любители современного искусства.
Воронежский центр современного искусства, или глоток творчества в регионе
ВЦСИ — культовое место для Воронежа. Это один из успешнейших культурных центров российских регионов, существующий с 2004 года. В 2013 году группа местных художников получила пространство от администрации города. Однако никакой финансовой помощи организаторы не получают. Все остальные моменты ребята брали на себя сами. В условиях практически полной независимости они проводят лекции, выставки, образовательные программы и кинопоказы. В общем, все те вещи, которые присущи центрам современных искусств. За 6 лет ВЦСИ полюбился творческой части воронежцев, которым подобные площадки необходимы как глоток свежего воздуха.
Кстати, конец у ВЦСИ похожий. Буквально недавно они закрылись. Жизнь любого центра современного искусства в России висит на волоске, поэтому неудивительно, что трудности становятся критическим ударом. Последней выставкой стал проект «Безопасное пространство» о совместном существовании людей в обществе. Потеря центра искусства сильно ударит по культурной среде города:
«ВЦСИ как пространство дало возможность выставлять мне и многим другим художникам некоммерческое искусство, искусство ради искусства, а не ради денег. И в отличие от музейных площадок, в ВЦСИ можно было делать что-то новое, спорное, ещё никем не принятое, а не уже хорошо зарекомендовавшее себя. Многие художники именно в ВЦСИ сделали свои первые выставки», — Евгения Ножкина, резидент ВЦСИ.
«Площадь мира» — крупнейший региональный центр современного искусства
«Площадь мира» — это крупнейший в Сибири музейный центр. Скорее всего, он либо твой ровесник, либо старше тебя — дата основания 1987 год. Его по праву можно считать лучшим региональным музеем современного искусства. Ежегодно его посещают более 400 тысяч человек. Это вдвое меньше, чем у московского «Гаража», при том что «Площадь мира» родом из Красноярска. Изначально это был местный филиал музея имени Ленина. Кстати, это последний из созданных в Союзе музеев Ленина. В общем, история у него богатая.
К современному искусству здесь обратились в 1995 году, когда провели Красноярскую музейную биеннале. С тех пор фестиваль проводится каждые два года. Он направлен на развитие современного искусства не только в регионе, но и в России. Здесь свои работы выставляют художники со всей страны. В основном «Площадь мира» делает упор на творцов, которые уделяют в своих работах большое внимание истории и войне. Однако не нужно путать это с выставкой старых дырявых шлемов времен ВОВ. Здесь художники воссоздают сюрреалистичные картины и подходят к освещению реальных событий творчески. Допустим, сейчас тебя может порадовать выставка «Музей революции», где тебя ждет советская изнанка. Особенно разнообразны выставки во время биеннале.
Будь уверен, что такой масштабный проект не умрет в ближайшее время. Ведь он спонсируется, а недавно его полностью отремонтировали. Внешний вид центра современных искусств отсылает к классическому советскому брутализму на европейский манер.
Центр современного искусства им. Сергея Курёхина — памятник великому троллю
Сложилось так, что Петербург — культурная столица нашей страны, поэтому без представительства из города на Неве не обойтись. В 2004 году здесь появился ЦСИ им. Сергея Курехина. Великого тролля, музыкального таланта и актера. Музей не порочит имя культурного революционера СССР. Основная цель у центра не просветительская, а объединяющая. По факту организаторы ищут таланты и дают им возможность развиваться.
«Основная цель — объединить талантливых представителей современного искусства, выступающих вне рамок мэйнстрима поп-культуры, и предоставить им возможность презентации совместного и индивидуального творчества».
Также кураторы музея работают над популяризацией современного искусства в России. В 2010 году они учредили премию Сергея Курехина с целью расширения рамок влияния. С первой же церемонии стало ясно, что это правильный шаг. Ведь многие талантливые художники проявили активность и были удостоены премии за эти 9 лет, а их работы признаны выдающимися среди членов жюри из области современного искусства. Согласись, что это неплохая мотивация вести работу не в стол.
В России есть место искусству, и нужно вести работу над популяризацией его в массах. Не только с целью культурного просвещения. Современные художники нередко выражают своими работами протесты против устоявшихся правил, которые двигают общество назад. Если мы и дальше не будем обращать внимание на современное творчество, то все понимание об искусстве будет упираться в строчку «На выставке Ван Гога я главный экспонат». Долой невежественное отношение к окружающим нас вещам.